7 mga obra ng Hermana na nagkakahalaga na makita sa 2020

2024 May -akda: Richard Flannagan | [email protected]. Huling binago: 2023-12-16 00:19

Matagal nang napatunayan ng mga siyentista na ang sining ay may kapaki-pakinabang na epekto sa kalusugan ng tao sa pamamagitan ng pagbawas sa antas ng pagkabalisa at stress sa katawan. Totoo ito lalo na para sa mahusay na sining at pagmumuni-muni ng maganda. Samakatuwid, upang mapuno ang 2020 ng isang kanais-nais na estado ng katawan at espiritu, sulit na bisitahin ang Hermitage at makita ang pinakatanyag na expositions ng museo.

"Mga Apostol Peter at Paul" ni El Greco

Ang El Greco ay isa sa pinakamaliwanag at pinaka orihinal na artist. Pinagmulan ng Greek, nag-aral siya ng pagpipinta sa Italya sa pagawaan ng dakilang Titian. Natutunan niya ang diskarteng langis mula sa kanyang idolo at inspirasyon din ng mga masining na diskarte ng Italyano Pamamaraan. Ang El Greco ay tumayo kasama ng kanyang mga kasamahan para sa pagka-orihinal ng istilong kapansin-pansing nagpapahayag. Sa kanyang mga larawan, binigyang pansin niya ang sikolohikal na katangian. Sa pagpipinta na ito mula sa Ermita, ang artist ay kumakatawan sa dalawang magkakaibang uri ng mga tao. Sa kaliwa ay si Apostol Pedro, na tinanggihan ang pagkakaroon ni Kristo ng tatlong beses. Ang kanyang mukha ay nagdadala ng kalungkutan at kawalan ng katiyakan, habang ang kanyang mga kilos ay may bahid ng pagsisisi at pagsusumamo. Si Apostol Paul, na, tulad ng alam mo, ay orihinal na isang masigasig na umuusig sa mga Kristiyano, sa larawan ay nagpapakita ng espirituwal na sigasig sa pag-apir sa katotohanan. Ang mga kilos ng kamay na bumubuo sa sentro ng komposisyon ng gawain ay nagpapahayag ng isang dayalogo na pinag-iisa ang dalawang apostol.

Ang Pedro na may buhok na kulay-abo, na nakabalot ng isang gintong balabal, ay ikiling ang kanyang ulo sa gilid. Sa kanyang kaliwang kamay ay hawak niya ang kanyang simbolo - ang susi ng Kaharian ng Langit. Mahigpit na pinindot ni Pavel ang kanyang kaliwang kamay sa bukas na dami ng mesa, ang kanyang kanang kamay ay tumataas sa isang kilos ng paglilinaw kapag direktang nakatingin sa manonood. Si San Pedro at St. Palaging ipinapakita ng artista ang Petra na may kulay-abo na buhok at balbas, at madalas na nakasuot siya ng dilaw na balabal sa isang asul na tunika. Si Paul ay palaging bahagyang pagkakalbo, may maitim na buhok at balbas, sa isang pulang balabal na may asul o berdeng damit.

"Penitent Mary Magdalene" ni Titian

Ang Penitent Mary Magdalene ay isang larawan ni St. Mary Magdalene Titian mula mga 1531, na may lagda na 'TITIANUS' sa daluyan sa kaliwa. Ayon sa balangkas, ito ay isang babae na may malungkot na nakaraan, na, ayon sa Ebanghelyo (Lukas 7, 36-50), ay pumunta sa bahay ni Simon na Pariseo upang humingi ng kapatawaran kay Jesus. Ito ay isang pambabae na pigura na inilalarawan ng Titian na may makapal, puro stroke at mainit na tono. Ang palette ay nagha-highlight ng hindi kapani-paniwalang mga mata na babad sa kristal na luha. Ang tanso na kulay ginto na sumasaklaw sa pigura ay kamangha-manghang nakasulat. Ang tema ng nagsisising si Mary Magdalene, na angat ng kanyang mga mata sa langit, ay nakakuha ng malaking katanyagan sa Italya noong ika-16 na siglo sa mga aristokrata, pinuno ng relihiyon at mayaman na gitnang uri. Ang kakulangan ng pananamit ay sumisimbolo sa pagtanggi ng Magdalene mula sa mga alahas, ginto at makamundong libangan alang-alang sa pananampalataya kay Cristo. Bilang karagdagan, ang ginintuang buhok at ang pangkalahatang pigura ng Magdalene ay nakakatugon sa mga pamantayan ng kagandahang Renaissance.

"Madonna Litta" ni Leonardo da Vinci

Ang pagpipinta ay nakakuha ng pangalan nito mula sa marangal na pamilya ng Milanese, kung kaninong koleksyon ito natagpuan sa halos lahat ng ika-19 na siglo. Noong 1865, ang Russian Tsar Alexander II ay bumili ng canvas para sa Ermita, kung saan ito ay ipinapakita hanggang ngayon. Inilalarawan ng gawaing ito ang pagpapasuso ng Madonna ng Christ Child. Tandaan ang kawalan ng multo sa larawang ito. Ang bilang ng mga canvases ni Leonardo ay nagpapakita ng parehong tampok na ito. Ang mga numero ay itinakda sa isang madilim na loob na may dalawang mga arko na bukana na nagpapakita ng isang tanawin ng mabundok na tanawin. Isang nakawiwiling detalye: sa gitna ng larawan, sa kaliwang kamay ni Kristo, mayroong isang goldfinch, na isang simbolo ng pag-iibigan ni Cristo.

Ang pakiramdam ng kagalakan ng pagiging ina sa pagpipinta na "Madonna Litta" ay lalo na nakalulugod na nakalarawan salamat sa yaman ng mismong imahe ni Mary - dito natagpuan ang kanyang mature expression ng kagandahang pambabae ni Leonardo. Ang banayad, magandang mukha ng Madonna ay nagbibigay ng isang espesyal na kabanalan sa mga nakapikit na mata at isang bahagyang ngiti. Ang komposisyon ng pagpipinta ay kapansin-pansin sa kapansin-pansin na kalinawan at pagiging perpekto nito. Ang Madonna at Bata ay isang pangkaraniwang motif sa sining Kristiyano sa panahon ng Middle Ages at nagpatuloy sa Renaissance.

"Lute player" Caravaggio

Ang pagpipinta ay kinomisyon ni Cardinal Francesco del Monte, na tumangkilik sa artist. Inilalarawan ni Caravaggio ang isang binata na nabighani sa musika: ang kanyang titig ay puno ng inspirasyon, ang kanyang mga daliri ay nakakapit sa mga kuwerdas. Ang pigura ng isang binata sa isang puting shirt ay malinaw na nakatayo nang malinaw laban sa isang madilim na background. Ang mabibigat na pag-iilaw sa gilid at pagbagsak ng mga anino ay nagbibigay sa mga bagay ng halos napapansin na dami at bigat. Ang mga bagay na inilagay sa larawan ay nagpatotoo sa labis na pagmamahal ng artista sa mundo sa paligid niya, ang kanyang pagnanais na totoo na likhain ang kalikasan, upang maiparating ang kalidad ng materyal ng bawat detalye. Sa kuwaderno na nakahiga sa harap ng bida na may lute, ang mga pambungad na tala ng madrigal na sikat noong ika-16 na siglo na "Alam mo na mahal kita" ay nakasulat.

Ang pag-ibig bilang tema ng gawaing ito ay ipinahiwatig din ng iba pang mga bagay. Halimbawa, ang basag na lute ay isang talinghaga para sa pag-ibig na nabigo. Sa bukang liwayway ng pagkamalikhain, madalas na binigyan ni Caravaggio ang mga kabataan ng mga pambabae na tampok, na, gayunpaman, ay tipikal ng sining ng Italya noong huling bahagi ng ika-16 na siglo. Nakatutuwa na ang musikero mula sa pagpipinta mula sa Ermita ay madalas na nagkakamali para sa isang batang babae, at ang komposisyon ay tinawag na "The Lute Player."

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng artista - "The Lady in Blue" - ay nilikha ni Gainsborough sa pinakadulo ng kanyang malikhaing kapangyarihan. Ang pigura ng isang batang babae sa isang bukas na damit na gawa sa transparent na puting tela ay malumanay na nakatayo laban sa isang madilim na background. Ang kanyang pulbos na buhok ay naka-istilo sa isang quirky hairstyle. Ang mga malalaking kulot ay nahuhulog sa mga sloping na balikat. Ang pagiging bago ng mukha ng kabataan ay binibigyang diin ng kalahating-bukas na mga labi at hugis almond na maitim na mga mata. Gamit ang isang magaan na paggalaw ng kanyang kanang kamay, hawak niya ang asul na scarf na sutla. Grayish, bluish, pinkish at white tone dito at doon ay pinahusay na may maliliwanag na stroke, at makakatulong upang maihatid ang gilas at kagandahan ng modelo.

Ang katapangan ng mga diskarteng nakalarawan ni Gainsborough ay namangha sa kanyang mga kapanahon. Kaya, sinabi ni Reynolds na "mga kakaibang mga spot at tampok" sa mga kuwadro na gawa ng Gainsborough, "na tila mas malamang na resulta ng pagkakataon kaysa sa isang may malay na intensyon." Ito ang tradisyon na hindi pang-akademikong ito na isa sa pinakadakilang nagawa ng Gainsborough. Ang "The Lady in Blue" ay pumasok sa Ermitanyo noong 1916 mula sa koleksyon ng A. 3. Khitrovo ayon sa kalooban.

Ang Pagbabalik ng Alibughang Anak ni Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Ang obra maestra ng sining sa bibliya ay muling kinumpirma ang katayuan ni Rembrandt bilang isa sa pinakamagaling na pintor ng lahat ng oras at ang pinakadakilang sa lahat ng mga Matandang Masters sa paglalarawan ng mga tagpo sa Bibliya. Ang pagpipinta na The Return of the Prodigal Son, na nakumpleto ng artist sa huling mga taon ng kanyang buhay, ay naglalarawan ng isang eksena mula sa parabulang Lucas 15: 11–32. Ayon sa natitirang art kritiko sa sining na si Kenneth Clarke, ang canvas ay isa sa pinakadakilang mga kuwadro na gawa sa lahat ng oras. Ayon sa balangkas, ang ama, tulad ng patriyarka, ay ipinapatong ang kanyang mga kamay sa balikat ng isang shave na nagsisisi at nagsusuot ng mga damit na pagod na. Halos nakapikit na ang mga mata niya. Ang gawa ng kapatawaran ay nagiging isang pagpapala ng isang halos sakramento sakramento.

Ito ay isang larawan na may pinakamataas na kabanalan, malaya mula sa lahat ng mga aspeto ng anecdotal, kung saan ang lahat ng mga paggalaw at pagkilos ay tumigil. Ang tanawin ay lumulubog sa kadiliman, tulad ng isang lagusan, kung saan nagmula ang mga mukha ng ama at ng kanyang panganay na anak. Ang kanilang mga pulang damit ay nagbibigay ng kadiliman sa kadiliman na ito. Paulit-ulit na pininturahan ni Rembrandt ang tema ng alibughang anak, ngunit sa napakalaking bersyon ng langis na ito ay napunta siya sa kanyang pinaka-kapana-panabik at - salamat sa kaibahan ng panganay at nakababatang (alibugho) na anak - ang sikolohikal na pinakamahirap na pagbabalangkas.

"Sayaw" ni Henri Matisse

Ang "Sayaw" ay isa sa pinakatanyag na gawa ni Henri Matisse - isang kalugud-lugod sa buhay, kagalakan, pisikal na pagtanggi at isang simbolo ng napapanahong sining. Ang piraso ay kinomisyon ng maimpluwensyang kolektor ng Russia na si Sergei Shchukin noong 1909 upang palamutihan ang kanyang mansyon. Nailalarawan sa pagiging simple at enerhiya nito, ang masining na kawalang-habas na ito ay nag-iwan ng isang hindi matanggal na marka sa sining ng ika-20 siglo. Ang sayaw ay isinulat sa kasagsagan ng Fauvist Aesthetic at sumasalamin sa paglaya ng tradisyunal na tradisyon ng artistikong Kanluranin. Ang pagpipilian ng aesthetic ni Henri Matisse para sa pagpipinta na ito ay sanhi ng isang tunay na iskandalo sa mga art salon noong 1910. Ang matapang na kahubdan at magaspang na lilim ay nagbigay ng larawan ng isang pambihirang karakter para sa oras na iyon, na sa paningin ng ilang manonood ay tila ba barbaric.

Tatlong kulay lamang ang ginamit ni Matisse upang ilarawan ang sayaw na ito: asul, berde at pula. Alinsunod sa tradisyonal na mga asosasyong kulay ng Fauvist, ang tatlong mga shade na ito ay lumilikha ng matinding kaibahan. Gayunpaman, ang layunin ni Matisse ay hindi mabigla ang madla. Sa kabaligtaran, hinahangad niyang pagsamahin ang mga tao sa bawat isa at sa likas na katangian. Tulad ng sinabi ng artist, "Ang pinapangarap ko ay balanse, malinis at kalmado ng sining na maiiwasan ang gulo o pagkabigo."