Paano pinag-usapan ng mga artista ang nakaraan tungkol sa mas mataas na mga bagay: Hustisya, kawalang-saysay, pagpapatakbo ng oras at hindi lamang sa mga imahe na alegoriko

2024 May -akda: Richard Flannagan | [email protected]. Huling binago: 2023-12-16 00:19

Ang mahusay na kakayahan ng pinong sining upang ipakita ang hindi nakikita ng mata ay pangunahin tungkol sa mga alegorya. Paano magsulat ng kapangyarihan sa canvas? Tumatakbo ang oras? Hustisya? Walang pag-asa? Paano maipakita ang pananaw sa mundo ng artist nang hindi gumagamit ng mga salita, ngunit ang paggamit lamang sa mga posibilidad na ibibigay ng mga brush at pintura? Ang mga alegoriya ay karaniwang ipinapahayag sa mga manonood na may isang tiyak na antas ng kaalaman o handa na tumanggap ng kaalamang ito, sapagkat maraming mga alegorya ay batay sa mga elemento ng mitolohiya, pilosopiya, kasaysayan ng sining at kasaysayan ng sangkatauhan. Para sa mga taong may kasanayan sa kahulugan ng mga sinaunang canvases, isiniwalat ito sa isang bagong paraan, at ang kababalaghan ng kawalang-kamatayan ng sining at ang kaugnayan nito sa anumang panahon at sa anumang mga kondisyong pangkasaysayan ay naging mas malinaw.

Mga allegoriya - bakit at paano ito bumangon

Nagagawa ng pagpipinta ang anumang imahe, kabilang ang lahat na maaaring ipahayag ng mga salita - ang pamamaraang ito ay mayroon nang panahon ng Renaissance. Sa kaso kung kinakailangan ang artista na makuha ang mukha ng isang tao, o isang komposisyon ng maraming mga bagay sa mesa, o isang likas na kababalaghan, ang lahat ay higit pa o hindi gaanong malinaw: ang nakikita ng mata ay inililipat sa canvas - na may hindi maiiwasang baluktot na paksa. ng kanyang nakita, dahil lamang, na ang may-akda ay isang tao.

Gayunpaman, kung minsan ang mga master ay kailangang matupad ang iba pang mga kahilingan - maging mula sa mga customer, o marahil mula sa kanilang sarili - upang sumulat ng isang bagay na abstract, upang lumikha ng isang artistikong imahe ng isang ideya, isang konsepto ng pilosopiko, isang bagay na mayroon, ngunit hindi madaling unawain. Nalutas ng mga postmodernist ang problemang ito sa pamamagitan ng pagpapaalam sa parehong pantasya at masining na paraan ng pagpapahayag ng sarili, na idineklarang ganap na malaya ang artist sa kanyang mga aktibidad. Ngunit ang mga masters ng nakaraang panahon sa sining ay nanatiling totoo sa kanilang sarili at sa mga tradisyon na umiiral sa kanilang mga panahon.

Ang mga halaman, hayop, tao, bagay ay ang mga tool kung saan nakalagay ang parabula sa canvas, at kung nakamit ng artista ang kanyang layunin, kung gayon ang impression ng manonood ng larawan ay tumutugma sa inilagay ng master dito. O - at madalas - ang obra maestra ay hindi gumana, at ang larawan ay naging isa sa hindi matagumpay na mga alegorya. Sa una, lumitaw ang alegorya kung saan imposible o mapanganib ding magsalita nang direkta tungkol sa hindi pangkaraniwang bagay, at una sa lahat ito ay nilalaman ng panitikan. Ang sining ng Sinaunang Silangan ay puno ng maraming mga alegorya. Sa Egypt, lumapit sila sa imahen ng mga diyos na may mga katawang tao at mga ulo ng iba`t ibang mga hayop - ganito ipinakita sa pagkakatulad ang pagkamatay, o kapangyarihan, o kawalang-hanggan.

Salamat kay Aristotle, lumitaw ang salitang "trope" at, sa pangkalahatan, isang paglalarawan ng pilosopiko ng paglipat ng kahulugan ng isang bagay sa isa pa; ito ang naging batayan, bukod sa iba pang mga bagay, para sa karagdagang pag-unlad ng fine arts.

Kalapati, aso at iba pang mga halimbawa ng mga alegorya

Kung ang Italyano na Renaissance ay nagbigay daan lamang para sa mga alegorya sa pagpipinta, pagkatapos ay sa panahon ng Baroque, praktikal na pamamaraan na ito ng praktikal na hindi nagawa nang wala: ang pangunahing tagatustos ng mga imahe para sa mga kuwadro ay sinaunang at Kristiyanong alamat, at kung minsan ang kanilang pinaghalong. Ang isang papel ay ginampanan din ng katotohanang ang mga alegorya, talinghaga, alegorya sa visual arts ay minamahal ng marami sa mga parokyano at kostumer, at ang mga artista mismo ay kusang gumamit ng mga posibilidad ng pamamaraang ito upang maipakita ang kanilang sariling pilosopiko at pananaw sa buhay, na naisakatuparan ang kanilang takot, pag-asa at mithiin.

Ang anumang uri ng pagpipinta ay kayang tumanggap ng alerto na mensahe ng master - kabilang ang buhay pa rin, at larawan, at tanawin. Madalas kang makahanap ng tradisyunal, pamilyar na mga imahe kung saan ang mga artist ay naka-encrypt ng mga abstract na konsepto: halimbawa, ang isang aso ay sumasagisag ng katapatan, isang kalapati na sumasalamin sa imahe ng Banal na Espiritu, isang babaeng may kaliskis at may blindfold - hustisya o hustisya, isang barkong naglalakad sa dagat - paraan ng pamumuhay ng isang tao.

Ang "Allegory of Painting" ni Jan Vermeer ay naging paboritong pagpipinta ng artista: hindi siya humati hanggang sa siya ay namatay, sa kabila ng mga problema sa pera. Ang gawaing ito ay pinalamutian ang pagawaan at ipinakita kung ano ang itinuturing na Vermeer na kakanyahan ng isang uri ng aktibidad. Ang dami ng libro ay sumasagisag sa teoretikal na kaalaman sa sining, ang maskara ay maaaring magpahiwatig ng paggaya ng magagaling na mga guro, at ang modelo, na ang pigura ay itinago ng mga antigong drapery, na nagpapakilala sa kaluwalhatian ng artista.

Mga alegorya sa mga kuwadro na gawa ng iba pang magagaling na artista

Ang mga allegory ay maaaring maiugnay hindi lamang sa mga pinta na direktang ipinagbibigay-alam sa manonood tungkol sa kanilang kakanyahan - tulad ng "Allegory of virtues" at "Allegory of vices" ni Correggio. Noong 1622 ang reyna ng Pransya na si Maria de Medici, ina ni Louis XIII, ay nag-utos kay Rubens ng isang ikot ng malalaking kuwadro na gawa, na magsasabi tungkol sa mga pangunahing yugto ng kanyang buhay, ito ay upang makapagpahiwatig ng mga imahen na pinuntahan ng dakilang pintor na Dutch. Lumilitaw ang reyna sa harap ng manonood sa anyo ng isang sinaunang diyosa, na napapaligiran ng mga tauhan mula sa mitolohiyang Greek, sa kanyang kamay ay mayroon siyang simbolo ng hustisya, sa kanyang paanan - natalo ang mga bisyo. Ang bawat isa sa mga kuwadro na gawa sa seryeng ito ay nagdadala ng isang tiyak na kalagayan at kahulugan, naihatid gamit ang mga diskarte ng alohikal.

Ipinahayag ni Sandro Botticelli ang ideya ng lakas sa imahe ng isang batang babae na ang mga tampok sa mukha ay katulad ng kanyang sariling maagang Madonnas - ngunit sa kasong ito ang kanyang hitsura ay mas matigas at matigas ang ulo.

Ang pinuno ng alegorya ay si Pieter Brueghel na Matanda, kasama sa kanyang mga gawa ay isang serye ng mga pag-ukit na naglalarawan ng pitong nakamamatay na kasalanan. Ang katamaran ay ipinapakita sa pamamagitan ng mga imahe ng mga snail, natutulog na mga tao, dahan-dahang gumagapang na mga hayop, dice, na sinasakop ng mga umupo sa tavern - at marami pang mga simbolo, hindi lahat ay may pangkalahatang tinatanggap na interpretasyon.

Bilang isang patakaran, ang pagkakatulad na imahe ng imahen at naturalismo ay hindi ibinubukod ang bawat isa; kapag gumagamit ng mga talinghaga sa pagpipinta, ang artist ay madalas na umangkop sa ideyalisasyon upang makapinsala sa pagkakahalintulad ng larawan. Ngunit narito ang isang larawan sa sarili ni Nicolas Poussin, na ipinapakita sa kahalintulad ng kakayahan ng pintor na tumagos sa kakanyahan ng mga bagay - ito ay sinasagisag ng mukha ng isang babae - ang muse na inilalarawan sa kaliwa - sa profile, na parang nagpapakita ng " pangatlong mata ". Ang mga kamay ay inabot sa isang babae sa pagsisikap na yakapin, sagisag ang pag-ibig ng artista sa sining, at sama-sama na ipinahatid kung ano ang naramdaman ni Poussin sa kanyang buhay.

Ngunit ang "Still Life with a Chessboard" ni Lyuben Bozena ay pinagsasama ang mga imahe ng mga bagay na magkakasama ay isang alegorya ng limang damdamin ng tao. Ang mga tala at instrumento sa musika ay sumasagisag sa pandinig, salamin - paningin, chessboard, kard, pitaka - hawakan, bulaklak - amoy, tinapay at alak - lasa.

Tungkol sa mga puzzle sa mga kuwadro na gawa ni Rene Magritte: dito