9 obra maestra ng mga makikinang na artista na nagbigay inspirasyon sa mga magagaling na taga-disenyo ng fashion at lumikha ng mga natatanging koleksyon

2024 May -akda: Richard Flannagan | [email protected]. Huling binago: 2023-12-16 00:19

Sa buong kasaysayan, ang fashion at art ay magkasabay upang lumikha ng isang mahusay na kumbinasyon. Maraming mga taga-disenyo ng fashion ang humiram ng mga ideya mula sa mga kilusang pansining para sa kanilang mga koleksyon, na pinapayagan ang interpretasyon ng fashion bilang isang form ng sining na higit sa lahat ay nagsisilbi upang ipahayag ang mga ideya at pangitain. Naimpluwensyahan nito, ang ilang mga kilalang internasyonal na taga-disenyo ng fashion ay lumikha ng mga natitirang koleksyon batay sa mga masining na paggalaw ng ika-20 siglo.

1. Madeleine Vionne

Ipinanganak sa hilagang-gitnang Pransya noong 1876, si Madame Madeleine Vionne ay kilala bilang "diyosa ng istilo at reyna ng pag-angkop." Sa kanyang pananatili sa Roma, siya ay nabighani sa sining at kultura ng mga sibilisasyong Greek at Roman, at binigyang inspirasyon ng mga sinaunang diyosa at estatwa. Batay sa mga gawaing sining na ito, hinubog niya ang mga estetika ng kanyang istilo at pinagsama ang mga elemento ng iskulturang Greek at arkitektura upang magbigay ng isang bagong sukat sa babaeng katawan. Sa kanyang husay sa pag-draping at slanting dresses, binago ng Madeleine ang modernong fashion. Madalas na kumunsulta siya sa mga gawa ng sining tulad ng The Winged Victory ng Samothrace para sa kanyang mga koleksyon ng sining.

Kapansin-pansin ang pagkakapareho ng obra maestra ng Hellenistic art at muse ni Vionne. Ang malalim na pag-draping ng tela sa istilo ng Greek chiton ay lumilikha ng mga patayong guhitan ng ilaw na dumadaloy sa pigura. Ang iskultura ay nilikha bilang paggalang kay Nike, ang diyosa ng tagumpay ng Griyego, at hinahangaan para sa makatotohanang paglalarawan ng paggalaw. Ang dumadaloy na kurtina ng disenyo ng Vionnet ay nakapagpapaalala sa paggalaw ng tela ng pagbulwak na dumidikit sa katawan ni Nike. Ang mga damit ay maaaring maging katulad ng mga nabubuhay na nilalang na may kaluluwa, tulad ng isang katawan. Tulad ng Winged Victory ng Samothrace, lumikha si Madeleine ng mga damit na gumising sa kakanyahan ng tao na nakatago sa loob. Ang klasismo, kapwa isang pilosopiya ng aesthetic at isang pilosopiya sa disenyo, ay nagbigay kay Vionne ng pagkakataong iparating ang kanyang paningin sa pagkakaayos ng geometriko.

Nabighani din siya ng mga kontemporaryong paggalaw ng sining tulad ng Cubism. Sinimulan ni Madeleine na isama ang mga hugis ng geometriko sa kanyang mga nilikha at nagtaguyod ng isa pang paraan ng paggupit sa kanila na tinatawag na bevel cutting. Siyempre, hindi kailanman sinabi ni Vionne na naimbento ang pahilig na hiwa, ngunit pinalawak lamang ang paggamit nito. Habang ang mga kababaihan ay gumawa ng mahusay na pag-unlad sa pakikibaka para sa kanilang mga karapatan noong unang bahagi ng ikadalawampu siglo, ipinagtanggol ng Madeleine ang kanilang kalayaan sa pamamagitan ng pagwawaksi sa pangmatagalang Victorian corset mula sa pang-araw-araw na pananamit ng kababaihan. Samakatuwid, siya ay naging isang simbolo ng paglaya ng mga kababaihan mula sa pagpigil ng bustier at sa halip ay naglabas ng mga bago, mas magaan na tela na literal na dumaloy sa mga katawan ng kababaihan.

2. Pierpaolo Piccioli

Si Pierpaolo Piccioli ay punong tagadisenyo ni Valentino at lubos na naaakit sa mga gawaing panrelihiyon ng Middle Ages. Ang panimulang punto ng inspirasyon para sa kanya ay ang pansamantalang transisyon mula sa Middle Ages hanggang sa Northern Renaissance. Nakipagtulungan siya kay Zandra Rhodes at magkasama silang nakabuo ng isang nakasisiglang koleksyon noong Spring 2017. Nais ni Piccioli na ikonekta ang kultura ng punk ng huling bahagi ng 70s sa humanism at medyebal na sining, kaya't bumalik siya sa kanyang mga ugat at sa Renaissance, na nakahanap ng inspirasyon sa pagpipinta ni Hieronymus Bosch na The Garden of Earthly Delights.

Ang bantog na pintor ng Olandes ay isa sa pinakatanyag na kinatawan ng Hilagang Renaissance noong ika-16 na siglo. Sa "Garden of Earthly Delights", na ipininta ni Bosch bago ang Repormasyon, nais ng artista na ilarawan ang Paraiso at ang paglikha ng sangkatauhan, ang unang tukso nina Adan at Eba, pati na rin ang Impiyerno, na inaasahan ang mga makasalanan. Sa center pane, ang mga tao ay tila nasiyahan ang kanilang mga gana sa isang mundo ng kasiyahan. Ang iconography ng Bosch ay nakatayo para sa pagka-orihinal at pagiging senswalidad. Ang buong larawan ay binibigyang kahulugan bilang isang parunggali ng kasalanan.

Sa fashion world, ang pagpipinta ay nakakuha ng katanyagan dahil ang iba't ibang mga fashion designer ay nabighani sa mga motibo nito. Ang paghahalo ng mga panahon at estetika, binigyang diin ni Piccioli ang mga simbolo ni Bosch na may mga lumilipad na see-through na damit, habang si Rhodes ay lumikha ng mga romantikong kopya at burda na mga pattern na medyo katulad ng orihinal na likhang sining. Ang mga kulay ay tiyak na bahagi ng mensahe na nais iparating ng mga tagadisenyo. Kaya, ang koleksyon ng mga lumilipad na mapangarapin na damit ay batay sa hilagang kulay ng palette ng apple green, maputlang rosas at asul na mga itlog ng robin.

3. Dolce at Gabbana

Mahusay na pininturahan ni Peter Paul Rubens ang mga kababaihan ng pagmamahal, pag-aaral at kasipagan. Iniharap niya ang kanyang "Venus sa harap ng salamin" bilang kataas-taasang simbolo ng kagandahan. Eksklusibong inilalarawan ni Peter ang kanyang magaan na mukha at kulay-buhok na kulay ginto, na naiiba sa maid na may maitim na balat. Ang salamin ay isang ganap na simbolo ng kagandahan, na nag-frame ng isang babae tulad ng isang larawan, at sa parehong oras ay banayad na binibigyang diin ang kahubaran ng pigura. Ang salamin na hawak ni Cupid para sa diyosa ay nagpapakita ng salamin ng Venus bilang isang representasyon ng erotikong akit at pagnanasa. Si Rubens, na isa sa mga nagtatag ng sining ng Baroque, at ang kanyang konsepto ng "mga kulay sa mga linya" ay naiimpluwensyahan ang ilang mga tagadisenyo ng fashion, kasama na ang Dolce at Gabbana. Ang istilong Baroque ay lumihis mula sa diwa ng Renaissance, inabandunang katahimikan at kakisigan at sa halip ay humingi ng kagandahan, kaguluhan at paggalaw.

Ang mga taga-disenyo ng fashion na sina Domenico Dolce at Stefano Gabbana ay nais na lumikha ng isang kampanya na ipagdiriwang ang senswal pati na rin ang romantikong panig ng kagandahang pambabae. Si Peter Paul Rubens ang pinakaangkop na mapagkukunan ng inspirasyon. Ang mga nilikha ng duo ng kulto ay nasa mahusay na pagkakasundo sa sining ng Flemish artist. Sa koleksyon na ito, ang mga modelo ay nagpose ng isang mahusay na maharlika, na nagmumukhang na-stepped lamang nila ang isa sa mga kuwadro na gawa ni Rubens. Ang mga dekorasyon ay idinisenyo upang maging katulad ng mga salamin ng baroque at mga detalye ng pagbuburda. Ang kagandahang-loob ng mga numero at ang paleta ng kulay ng pastel ay magandang binigyang diin ng brocade pink na damit. Ang pagpili ng mga taga-disenyo ng fashion upang isama ang iba't ibang mga modelo na karagdagang nag-ambag sa uri ng katawan ng panahong iyon. Ang mga kurbada na linya na ginamit nina Dolce at Gabbana ay kontra sa diskriminasyon ng iba't ibang uri ng katawan sa industriya ng fashion.

Ang koleksyon ng Dolce at Gabbana Women's Fall 2012 ay nagpapakita ng maraming mga tampok ng arkitekturang Baroque ng Italyano. Ang koleksyon na ito ay perpektong tumutugma sa mayaman na pinalamutian na mga katangian ng istilong Sicilian Baroque. Ang mga taga-disenyo ay nakatuon sa arkitektura ng Baroque, tulad ng nakikita sa mga simbahang Katoliko ng Sisilia. Ang puntong sanggunian ay ang pagpipinta ni Rubens "Portrait of Anna ng Austria". Sa kanyang royal portrait, si Anna ng Austria ay inilalarawan sa fashion ng Espanya. Ang itim na damit ni Anna ay pinalamutian ng mga patayong guhit ng berdeng pagbuburda at mga detalye ng ginto. Maarteng dinisenyo ang mga damit at capes na gawa sa marangyang tela tulad ng puntas at brocade ay naging pangunahing tampok ng Dolce at Gabbana show, na sinakop ang mundo sa kanilang pagkamalikhain.

4. Cristobal Balenciaga

Si Cristobal Balenciaga ay maaaring tawaging isang tunay na master na nagbago ng fashion ng kababaihan noong ikadalawampung siglo. Ipinanganak sa isang maliit na nayon sa Espanya, dinala niya ang kakanyahan ng kasaysayan ng sining ng Espanya sa kanyang mga kasalukuyang proyekto. Sa buong karera niya, napahanga si Balenciaga ng Renaissance ng Espanya. Madalas siyang humingi ng inspirasyon mula sa pamilya ng hari Espanyol at mga miyembro ng klero. Ang fashion designer ay binago ang mga gamit sa simbahan at monastic robe ng panahon sa mga naisusuot na obra maestra.

Isa sa kanyang dakilang inspirasyon ay ang kaugaliang El Greco, na kilala rin bilang Dominikos Theotokopoulos. Sa pagtingin kay Cardinal El Greco Fernando Niño de Guevara, makikita mo ang pagkakapareho ng cape ng cardinal at ng disenyo ni Balenciaga. Inilalarawan ng pagpipinta ang kardinal na Kastila na si Fernando Niño de Guevara noong panahon ng El Greco sa Toledo. Ang mga ideya ni El Greco ay hiniram mula sa Neoplatonism ng Italian Renaissance, at sa larawang ito ipinakita niya ang kardinal bilang isang simbolo ng biyaya ng Diyos. Ang pag-uugali ay naroroon sa buong larawan. Kapansin-pansin ito sa isang pinahabang pigura na may isang maliit na ulo, kaaya-aya ngunit kakaibang mga limbs, matinding kulay at pagtanggi ng mga klasikal na hakbang at sukat.

Ang pagkahilig ni Balenciaga para sa kasuotan sa kasaysayan ay kitang-kita sa labis na panggabing amerikana mula sa kanyang koleksyon noong 1954. Nagkaroon siya ng pangitain at kakayahang lumikha ng mga hugis sa modernong fashion. Ang pinalaking kwelyo ng amerikana na ito ay umaalingawngaw sa istilo ng baggy ng cape ng kardinal. Ang pulang kulay ng damit ng kardinal ay nagsisimbolo ng dugo at kanyang pagpayag na mamatay para sa pananampalataya. Ang makulay na pula ay itinuturing ng sikat na taga-disenyo bilang hindi pangkaraniwang, dahil madalas niyang pinapaboran ang mga naka-bold na kumbinasyon ng kulay at buhay na kulay. Ang kanyang mahusay na pagbabago ay ang pag-aalis ng baywang at ang pagpapakilala ng mga dumadaloy na linya, simpleng pagbawas at tatlong-kapat na manggas. Sa paggawa nito, binago ng Balenciaga ang fashion ng kababaihan.

Nagpakilala din ang taga-disenyo ng mga manggas na haba ng pulseras na pinapayagan ang mga kababaihan na ipakita ang kanilang mga alahas. Noong 1960s, sa unti-unting pagpapakilala ng mga kababaihan sa industriya ng trabaho, nagkaroon ng ideya si Balenciaga na magbigay ng ginhawa, kalayaan at pagpapaandar sa mga babaeng binibihisan. Itinaguyod niya ang maluwag, kumportableng mga damit na naiiba sa form-fitting silhouettes ng araw.

5. Alexander McQueen

Ang Austrian artist, master of simbolism at tagapagtatag ng kilusang paghihiwalay ng Viennese, si Gustav Klimt ang naglatag ng pundasyon para sa kasaysayan ng sining ng ika-20 siglo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa at artistikong estetika ay matagal nang nagbigay inspirasyon sa mga taga-disenyo ng fashion. Ang iba tulad nina Aquilano Rimondi, L'Rene Scott at Christian Dior, ang taga-disenyo na direktang sumangguni kay Klimt ay si Alexander McQueen. Sa koleksyon ng Resort Spring / Summer 2013, nagdisenyo siya ng mga natatanging piraso na tila binigyang inspirasyon ng gawa ng artista. Ang pagtingin sa isang dumadaloy na itim na damit na may paulit-ulit na pattern ng ginto sa itaas - maaaring isipin ang isang tukoy na larawan. Gumamit ang McQueen ng mga abstract, geometric at mosaic na disenyo sa tanso at gintong mga tono, na isinasama ang mga ito sa kanyang mga disenyo.

Noong 1905, pininturahan ni Gustav Klimt ang pagpipinta na "The Embrace", na naglalarawan ng isang pares na nahuli sa isang banayad na yakap, na naging simbolo ng pag-ibig. Ang Austrian artist ay kilala sa kanyang mga ginintuang kuwadro, gayundin ang perpektong kumbinasyon ng abstraction at kulay na naroroon sa mga gawaing ito. Ang lahat ng mga mosaic ay mayaman gintong mga tono na may kaleidoscopic o natural na dekorasyon na nagkaroon ng isang mahusay na impluwensya sa fashion. Kapansin-pansin ang pagpipinta na ito dahil sa magkakaibang mga geometric na hugis sa pagitan ng mga damit ng dalawang magkasintahan. Ang kasuotan sa kalalakihan ay binubuo ng mga itim, puti at kulay-abong mga parisukat, habang ang damit ng mga kababaihan ay pinalamutian ng mga bilog na bilog at mga bulaklak na motif. Sa gayon, mahusay na inilalarawan ni Klimt ang pagkakaiba sa pagitan ng pagkalalaki at pagkababae. Gumamit si Alexander ng katulad sa kanyang damit.

6. Christian Dior

Tagapagtatag ng Impressionism at isa sa pinakadakilang pintor ng Pransya sa kasaysayan ng sining, naiwan ni Claude Monet ang isang mahusay na pamana ng masining. Gamit ang kanyang bahay at hardin sa Giverny para sa inspirasyon, nakuha ni Monet ang natural na tanawin sa kanyang mga kuwadro na gawa. Sa partikular, sa pagpipinta na "The Artist's Garden at Giverny" nagawa niyang manipulahin ang natural na tanawin alinsunod sa kanyang mga pangangailangan. Ang kaibahan ng brown brown na track laban sa buhay na kulay ng mga bulaklak ay nakadagdag sa eksena. Ang bantog na Impressionist ay madalas na pumili ng iris na bulaklak dahil sa kulay-lila na kulay nito upang lumikha ng epekto ng isang maliwanag na araw. Ang pagpipinta na ito ay puno ng buhay habang ang mga bulaklak ay namumulaklak at bumati, na yumakap sa tagsibol. Ang mga rosas at lila na petals, irises at jasmine ay bahagi ng isang makukulay na paraiso na nakalarawan sa puting canvas.

Sa parehong pag-iisip, si Christian Dior, isang tagapanguna ng fashion ng Pransya, ay nag-iwan ng malaking marka sa mundo ng moda na nararamdaman pa rin hanggang ngayon. Noong 1949 ay nagdisenyo siya ng isang koleksyon ng haute couture para sa tagsibol / tag-init na panahon. Ang isa sa mga highlight ng eksibisyon na ito ay ang iconic na Dior dress, na kumpletong binurda ng mga bulaklak na bulaklak sa iba't ibang mga kakulay ng kulay-rosas at lila. Perpektong inilarawan ni Dior ang dalawang mundo ng sining at fashion at ginaya ang Aesthetic ni Monet sa pantulong na gamit na ito. Gumugol siya ng maraming oras sa kanayunan, pagpipinta ng kanyang mga koleksyon sa kanyang hardin sa Granville, tulad ng ginawa ni Monet. Kaya, tinukoy niya ang matikas na istilo ng Dior sa pamamagitan ng pagsasama ng color palette at mga pattern ng bulaklak ni Monet sa kanyang mga nilikha.

7. Yves Saint Laurent

Si Mondrian ay isa sa mga unang artista na lumikha ng abstract art noong ika-20 siglo. Ipinanganak sa Netherlands noong 1872, nagtatag siya ng isang buong kilusang sining na tinawag na De Stijl. Ang layunin ng kilusan ay upang magkaisa ang napapanahong sining at buhay. Ang istilong ito, na kilala rin bilang neoplasticism, ay isang uri ng abstract art kung saan ang paggamit ng mga geometriko lamang na prinsipyo at pangunahing kulay tulad ng pula, asul at dilaw ay pinagsama sa mga neutrals (itim, kulay-abo at puti). Ang makabagong istilo ni Pete noong unang bahagi ng 1900 ay pinilit ang mga taga-disenyo ng fashion na kopyahin ang purong uri ng abstract art na ito. Ang pinakamahusay na halimbawa ng estilo ng pagpipinta na ito ay ang Komposisyon na may Pula, Asul at Dilaw na Mga Kulay.

Isang mahilig sa sining, isinama ng Pranses na taga-disenyo ng fashion na si Yves Saint Laurent ang mga kuwadro na gawa ni Mondrian sa kanyang mga haute couture na nilikha. Una siyang naging inspirasyon ng akda ni Pete nang mabasa niya ang isang libro tungkol sa buhay ng artista na ibinigay sa kanya ng kanyang ina para sa Pasko. Ipinahayag ng taga-disenyo ang kanyang pagpapahalaga sa artista sa kanyang koleksyon ng taglagas noong 1965, na kilala bilang Mondrian na koleksyon. May inspirasyon ng mga linya ng geometriko ng artist at naka-bold na kulay, ipinakita niya ang anim na mga damit na pang-cocktail na ipinagdiriwang ang kanyang iconic style at ang ikaanimnapung panahon sa pangkalahatan. Ang bawat isa sa mga damit ni Mondrian ay bahagyang naiiba, ngunit lahat sila ay nagbahagi ng isang simpleng hugis na A-line at isang walang manggas na haba ng tuhod na perpekto para sa bawat uri ng katawan.

8. Elsa Schiaparelli

Si Elsa Schiaparelli, na ipinanganak noong 1890 sa isang maharlika pamilya sa Roma, ay nagpahayag ng kanyang pag-ibig sa mundo ng moda. Sinimulan niyang paunlarin ang kanyang istilo ng rebolusyonaryo, na inspirasyon ng futurism, dada at surealismo. Habang umuusad ang kanyang karera, nakipag-ugnayan siya sa mga sikat na surrealista at Dadaista tulad nina Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp at Jean Cocteau. Nakipagtulungan pa siya sa Spanish artist na si Salvador Dali.

Ang isa sa pinakadakilang pakikipagtulungan sa kasaysayan ng fashion ay ang pakikipagtulungan sa pagitan nina Dali at Elsa Schiaparelli. Ang damit na ito ay nilikha kasama si Salvador Dali bilang bahagi ng koleksyon ng sirko ng Schiaparelli noong tag-init ng 1938. Ang damit ay tumutukoy sa pagpipinta ni Dali, kung saan inilalarawan niya ang mga kababaihan na may baluktot na proporsyon sa katawan.

Para sa mga surealistang artista, ang paghahanap para sa perpektong babae ay tiyak na mapapahamak, dahil ang ideyal ay umiiral lamang sa kanilang imahinasyon, hindi sa katotohanan. Gayunpaman, hindi balak ni Dali na ilarawan ang mga kababaihan ng makatotohanang, kaya't ang kanilang mga katawan ay hindi sa lahat ng kaaya-aya. Nais ni Schiaparelli na mag-eksperimento sa larong ito ng pagtatago at pagbubunyag ng katawan, na lumilikha ng ilusyon ng kahinaan at kawalan ng kapanatagan. Ang gown na may ilusyon ng luha ay ginawa mula sa maputlang asul na sutla na crepe, na nagbibigay ng parangal kay Salvador at sa kanyang hindi katimbang na kababaihan.

9. Gianni Versace

Ang panahon ng Pop Art ay marahil ang pinaka-maimpluwensyang panahon para sa mga taga-disenyo ng fashion at artist sa kasaysayan ng sining. Pinangunahan ni Andy Warhol ang pagsasama ng kultura ng pop at mataas na fashion, na ginagawang isang iconic na simbolo ng kilusang pop art. Noong mga ikaanimnapung taon, sinimulang isagawa ni Warhol ang kanyang diskarteng lagda na kilala bilang pag-print ng sutla.

Ang isa sa kanyang pinakamaaga at walang alinlangan na ang kanyang pinakatanyag na mga akda ay ang Marilyn Diptych. Para sa piraso na ito, gumuhit siya ng inspirasyon hindi lamang mula sa kultura ng pop, kundi pati na rin mula sa kasaysayan ng sining at mga abstract expressionist na artista. Nakuha ni Andy ang dalawang mundo ni Marilyn Monroe, ang buhay panlipunan ng isang bituin sa Hollywood, at ang kalunus-lunos na katotohanan ni Norma Jeane, isang babaeng nakipagpunyagi sa pagkalumbay at pagkagumon. Ang diptych ay nagpapalakas ng panginginig sa kaliwa, habang sa kanan nawala ito sa kadiliman at kadiliman. Sa pagtatangka na kumatawan sa isang lipunan ng mamimili at materyalismo, inilarawan niya ang mga indibidwal bilang mga produkto kaysa sa mga tao.

Ang taga-disenyo ng Italyano na si Gianni Versace ay nagkaroon ng matagal nang pagkakaibigan kay Andy Warhol. Ang parehong mga lalaki ay nabighani ng tanyag na kultura. Upang igalang si Warhol, inilaan ng Versace ang kanyang koleksyon noong 1991 ng Spring / Summer sa kanya. Ang isa sa mga damit na itinampok sa Warhol prints kasama si Marilyn Monroe. Isinama niya ang buhay na buhay na mga larawan ng sutla nina Marilyn at James Dean mula 1960s sa mga palda at maxi dress.

At sa pagpapatuloy ng paksa ng fashion, kagandahan at pambihirang mga ideya, basahin din tungkol sa kung paano ang mga modernong artista ay ginawang makeup ang tunay na likhang sining.