"Banal na Komedya" sa pamamagitan ng mga mata ng mga artista at iskultor ng nakaraan: Botticelli, Blake, Rodin, atbp

2024 May -akda: Richard Flannagan | [email protected]. Huling binago: 2023-12-16 00:19

Ang Banal na Komedya ay isang gawaing Italyano ni Dante Alighieri, na kung saan ay ang pinaka totoong mapagkukunan ng inspirasyon para sa mga tagalikha mula sa buong mundo. Ang nakatagong simbolismo, semanteng pagkarga at pilosopiya ng gawaing Renaissance na ito ay nag-udyok sa mga kilalang mga henyo ng malikhaing hindi lamang upang ipakita ang interes dito, ngunit upang i-play din ang mga imaheng ipinakita sa teksto sa kanilang sariling istilo.

Ang Banal na Komedya at ang orihinal na manuskrito, pati na rin ang lahat ng kasunod na mga kopya, sa lahat ng oras ay isinasaalang-alang at patuloy na isasaalang-alang ang pinaka kayamanan, ang puso ng mundo ng panitikan, sa mga partikular na tula sa genre ng epiko. Ang balangkas na umiikot sa bida ng parehong pangalan ay higit na autobiograpiko, maliban sa mga supernatural na elemento na naroroon sa buong kwento.

Ang epiko, tulad ng mga gawa ni Homer, Sophocle (manunulat ng dula), Ovid at Virgil, na may malaking impluwensya sa mga Italyano noong ika-13 hanggang ika-14 na siglo, ay gumagawa ng isang mahusay na trabaho ng paghahalo ng mga ideolohiya ng relihiyon at pampulitika, at ang pinakamahalaga, pag-ibig, o kung ano ang isinasaalang-alang ng may-akda ng Banal na pag-ibig. Ang mga paglalarawan ni Dante ay nagbibigay ng mga nakakainis na imahe na magbubukas ng imahinasyon at magbigay inspirasyon sa mga kalalakihan at kababaihan sa marami sa mga kababalaghan ng hyperrealism.

Ang gawain ni Alighieri ay ang rurok ng damdamin ng tao na tuklasin ang kailaliman ng kung ano ang koneksyon ng tao, at sa ganitong pagdadala ni Dante ay ekspresyonismo sa tula at sining, isang pag-andar na hindi lamang makakaimpluwensya sa mga artista sa buong mundo sa loob ng maraming siglo at sa maraming mga format ng media, ngunit lumikha din ng isang walang uliran paglilipat sa sining patungo sa kanyang sarili.

Ang unang bahagi ng tulang ito ni Dante, at marahil ang pinakatanyag (sa mga artista rin) ay "Hell", isang kwento tungkol sa kanyang paglalakbay sa siyam na bilog ng Impiyerno upang muling pagsamahin / i-save ang kanyang pag-ibig - Beatrice. Nilalayon ng mga paglalakbay ni Dante na baligtarin ang prosesong ito at alisin ang mga hadlang na maiiwas siya sa Diyos, na makakamit lamang sa pamamagitan ng pagsuko sa kaluluwa ni Beatrice at sa kanyang mga kakayahan. Ipinapahiwatig nito na ang pagiging mabaliw sa pangalan ng pag-ibig ay nagkakahalaga ng imortalidad na maidudulot nito.

Si Dante mismo ay nagpunta mula sa kasikatan hanggang sa sikat sa kanyang mga pinaghirapan at pag-aalinlangan tungkol sa Simbahang Katoliko. Ang pagkatapon at kalungkutan na sumunod ay ilan sa mga unang katalista pagdating sa The Divine Comedy. Nagsilbi din ito bilang isang mahusay na ugnayan sa pagitan ni Dante at ng mga artista, na, na may labis na sigasig at interes, na naglarawan ng buong daanan ng maalamat na gawain sa kanilang mga gawa.

Bagaman ang The Divine Comedy ay orihinal na isinalarawan ni Dante mismo, ang mga artista ay naramdaman na obligadong ipakita ang kanilang sariling koleksyon ng imahe mula sa nakakagulat na teksto. Ang isa sa mga unang makabuluhang artista na gampanan ang gawaing ito ay si Luca Signorelli, isang pintor ng Renaissance noong ika-16 hanggang ika-16 na kilala sa kanyang kakayahang makita ang anyo ng tao. Sa kabila ng katotohanang ang gawa ni Luca ay hindi eksaktong kopya ng pininturang eksena ni Dante, nag-iwan ang artist ng isang draft na tinatawag na Inferno XVI. Ang eksena ay naglalarawan ng mga sodomite, kapwa kalalakihan at kababaihan, ngunit karamihan sa mga kalalakihan, na may diin sa tatlong Guelph na lahat ay magkakasabay, na binanggit ni Dante sa Canto XVI, kung saan ang bida at ang kanyang gabay na si Virgil ay nakatayo sa itaas, na nakatingin sa pagkabulok.

Sa paglipas ng panahon, ang The Divine Comedy ay naging mas popular at pamantayan sa mundo ng may pribilehiyo at may pinag-aralan. Marami ang nagtangkang ilarawan ang mga kard na tumutugma sa storyline, ngunit ang fashion na ito ay kinalaunan ng isang mas sikolohikal na pagkuha sa mga tauhan sa teksto. Nagsimula ito noong ika-18 siglo sa kilalang artista at nagtatag ng Royal Academy of Arts sa Inglatera, si Joshua Reynolds. Nagpinta siya ng isang potensyal ng pangkat na tinatawag na Ugolino at Kanyang Mga Anak, isang eksena na partikular na interesado sa mga visual artist dahil sa kahindik-hindik na likas na katangian. Ang kwento ng Ugolino ay kwento ng isang taksil sa politika na nakalaan sa ikasiyam na bilog ng impiyerno. Sa katunayan, ang Ugolino ay isa sa huling nakaligtas sa mga giyera, kung saan siya ay dinakip at ipinakulong. Habang nasa bilangguan, siya ay nagkakagulo sa kanyang sariling mga kamay, at ang kanyang mga anak, na iniisip na siya ay namamatay sa gutom, inaalok sa kanya ang kanilang mga katawan para sa pagkonsumo.

Ang gawaing ito ay isang natitirang piraso, nagdadala ng bagong retorika sa isang kasaysayan na ngayon ay daan-daang taong gulang na, at ipinapakita ang kanyang neoclassical style na may pinakamataas na dignidad kahit na sa mga kasuklam-suklam na mga aksyon na ipinakita.

Ang isa pang English artist ng royal akademya, si Henry Fuseli (Heinrich Fuseli), ay nag-iiwan ng matindi na kaibahan kay Reynolds ilang dekada lamang ang lumipas sa kanyang paglalarawan kay Ugolino at ng kanyang mga anak na gutom sa isang tore. Ang pag-ukit ay naglalarawan ng kalaban bilang isang mas nakakaawang nilalang.

Ang akda ni Henry ay nakaimpluwensya sa multi-talento na si William Blake, na kumuha din ng Ugolino bilang paksa ng kanyang pagpipinta Ugolino at His Sons in a Cell. Si Blake, na ang madilim na mga imahe ay makikita sa iba pang mga gawa, ay nagdudulot ng isang bagong gaan sa tema na ito. Dalawang anghel ang nag-hover sa mga character, nagdadala ng isang nagliliwanag na kislap sa malamig na silid na gaganapin nila. Ang imahe na ito ay kapansin-pansin na magkakaiba, at mayroong ilang kalmado nang maaga sa pangunahing kaganapan ng cannibalism na malapit nang maganap. Malamang na ginagamit ito ni Blake upang ituon ang sakripisyo na gagawin ng mga bata sa isang kilos ng kabanalan sa pamumuhay, at gumagana upang makuha ang kanilang kawalang-kasalanan at kaligtasan sa pamamagitan ng mga anghel. Dinala ni Blake na ang mga batang ito ay hindi pipilitin na magbayad-sala para sa mga kasalanan ng kanilang ama, at ang kanilang kamatayan sa senaryong ito ay magiging marangal at pinakamagandang bagay na maaaring mangyari sa kanila.

Samantala, sa parehong panahon ng ika-19 na siglo, ang mga artista ng Pransya ay binigyang inspirasyon ng mga manuskritong liturhiko ni Dante. Sina Jean Auguste Dominique Ingres ay hinarap ang mga imahe ng pagtataksil at pangangalunya sa pamamagitan ng pagpipinta nilang Gianciotto Catches Paolo at Francesca. Ang konteksto na umiikot sa love triangle ay ang pang-akit ni Francesca sa kasintahan, si Giancotto, kapatid ni Paolo. Nakita ito ni Dante sa kanyang paglalakbay sa Impiyerno, at kinunan ng Ingres ang rurok ng malaman ni Giancotto ang pagtataksil ng kanyang asawa. Pumasok si Giancotto, may hawak na espada, at nakita ang kapatid na dumidikit ang labi sa matandang kasuotan na ikinasal ng kapatid. Ang Ingres ay tumatagal ng isang nakamamanghang pananaw, kasama ang swordsman na lumalabas mula sa likod ng tapiserya, habang ang mga mahilig ay walang kamalayan at masiyahan sa sandali sa lubos na kaligayahan.

Ang Contemporaryong Pranses ni Ingres, si Eugene Delacroix, ay nag-usap tungkol sa tema ng paglalakbay ng peregrino sa tubig kasama si Virgil sa Bangka ni Dante.

Ang salaysay na ipinakita niya ay ang paglalayag nina Dante at Virgil kasama ang Phlegia sa isang lawa na katulad ng Greek river na Styx, patungo sa impiyernong lungsod ng Dis. Ang romantikong Delacroix, na nagpapatuloy sa format ng isang pyramidal na komposisyon, ay gumagamit ng palette sa parehong paraan upang maituro ang mata at lumikha ng isang melodrama. Ang sikolohikal na larawan ng The Divine Comedy ay umaabot kasama ang gawaing ito. Ang patay ay naglalarawan ng isang nakamamanghang pagiging totoo, ngunit nananatiling kasuwato ng nakakagulat na kalikasan na dinadala nila. Si Virgil at ang kanyang kasama ay mukhang labis na kinakabahan habang nilalayag nila ang mga taong ginugol ang kanilang buong buhay bilang isang tulay.

Ang isa pang Dante, si Dante Gabriel Rossetti, isang artist ng Pre-Raphaelite Brotherhood pati na rin ang isang manunulat at tagasalin, ay nagkamali din ng kathang-isip na epiko para sa simbolismo nito. Si Rossetti ay naging pamilyar sa gawain ng kanyang namesake at isinalin ang tula sa Ingles. Pagkalipas ng ilang taon, sinimulan ng artista ang paggawa ng isang larawan na sumasagisag sa kanyang sariling minamahal, na tinawag na "Mapalad na Beatrice." Ang dula na ito ay kaaya-aya na naka-frame sa anyo ng isang diptych, si Beatrice, na nakalarawan sa matinding espiritu, tila nasiyahan o nagbitiw sa kanyang kamatayan, habang ang kasintahan, na iniwan niya, ay labis na nag-alarma.

Ang halik ay isang tema na muling lilitaw sa kurso ng kasaysayan ng sining, ngunit ang partikular na tema na ito ay maiugnay sa mga mapangalunya na mahilig kina Paolo at Francesca. Sa kanyang gawaing marmol, inilarawan ni Auguste Rodin ang isang nakamamatay na wakas para sa isang masigasig na mag-asawa. Walang kamalayan na pinapanood, ibinibigay nila ang kanilang sarili sa isa't isa nang buong-buo, na may walang ingat na dedikasyon, sa gayo'y pagpapasya sa kanilang kapalaran sa ganoong kilos.

Ang Hell's Gate ay isang pangunahing proyekto na tumagal ng maraming taon at naantala nang walang katiyakan. Inukit ni Rodin ang daan-daang mga figure na naglalarawan ng iba't ibang mga character mula sa paglalakbay ni Dante sa pamamagitan ng Impiyerno, na nagtapos sa isang nakamamanghang tanawin.

Ang mga halimbawang ito ay ilan lamang sa marami na kumukuha ng masining na inspirasyon mula sa dakilang tagapagsalaysay na Dante, at bawat taon ay mas maraming mga bagong gawa ang lilitaw mula sa mga artista sa buong mundo. Inilalarawan ng Banal na Komedya ang mga emosyon ng tao sa paraang ang masarap na sining ay maaari lamang subukang makunan ng isang frame nang paisa-isa, habang nagdadala pa rin ng mas malinaw na buhay sa aming mga imahinasyon. Ipinapakita ng mga artist na ito ang mga pagiging kumplikado sanhi ng walang hanggang teksto na humuhubog sa aming pag-unawa sa sining sa pangkalahatan sa maraming iba't ibang mga hanay, at sa pamamagitan ng paglikha ng kanilang sariling mga mundo, tinulungan ni Dante ang paghubog sa atin.

Pagpapatuloy sa tema ng mga manunulat at artista - basahin ang tungkol sa ano talaga ang nagkonekta kina Oscar Wilde at Aubrey Beardsley, at kung bakit masigasig nilang sinubukan na pagalitan ang bawat isa, ngunit sa parehong oras palagi silang naging isang suporta para sa bawat isa sa mga mahirap na oras.